Sensationelles Juwel aus dem Hause Weinstein. Und das auf mehreren Ebenen. Zum einen überrascht es mich zutiefst, dass der gleiche Filmemacher, der vor zwei Jahren noch mit dem uninspirierten und überflüssigen "The Fighter" langweilte, nun eine derart frische, sympathische, eigen- und tiefsinnige Tragikomödie auf die Leinwand zaubert, dass man zwei Stunden lang vor Glück und Verzückung lachen und weinen zugleich möchte. Russells feinfühlige Inszenierung, authentische Dialoggestaltung und wunderbare Charakterzeichnung machen es unmöglich, diesen Film nicht zu mögen.
Eine weitere Sensation ist die Besetzung und die Überraschungen, die daraus resultieren. Dass Bradley Cooper weit mehr kann als pubertierende Jungs mit "Hangover" zu beglücken, hat er ja bereits im fantastischen "Limitless" unter Beweis gestellt. Jedoch ist er mit seiner schwierigen Rolle in "Silver Linings" endgültig zu einem der interessanten und hoffnungsvollsten Darsteller unserer Zeit gereift. Eine derartige Rolle überzeugend zu verkörpern ist ein verdammt schmaler Grat - aber Cooper wandelt auf ihm mit Bravour und erstaunlicher Souveränität. Die größte Überraschung für mich ist jedoch Jennifer Lawrence. Bis jetzt nur im kolossal verunglückten "Hunger Games" gesehen und direkt wieder vergessen, hinterlässt sie mit ihrer unglaublich präsenten Performance von Wahnsinn bis Feingefühl einen wohl sehr lange bleibenden Eindruck. Die Harmonie der beiden ist wunderbar, ihre verletzten und gebrochenen Charaktere bilden eines der interessantesten und einfühlsamsten Leinwandpaare der letzten Jahre.
Und noch etwas kaum für möglich gehaltenes ist passiert: Robert de Niro, living legend und mein Lieblingsschauspieler für alle Zeiten, kann auf seine alten Jahre endlich mal wieder voll und ganz glänzen. Als neurotischer, Football-verrückter Dad zeigt er noch mal die gesamte Palette seines Ausnahmekönnens. Wunderbar.
So toll können Liebesdramen sein. So toll können romantische Komödien sein. "Silver Linings" ist nie zu traurig, nie zu lustig, nie zu kitschig, nie zu vorhersehbar. Er ist herzerwärmend, tiefsinnig, kurzweilig und einfach nur verdammt brillant. Einer der absoluten Jahreshöhepunkte und schon jetzt irgendwie moderner Klassiker.
Text: Le Samourai
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Mit Tanzszenen, die aller Wahrscheinlichkeit nach in Romantik enden, kann man mich in 9 von 10 Fällen jagen. "Silver Linings Playbook" ist glücklicherweise Fall 10 von 10.
Hier passt einfach alles zusammen, kommt unaufgeregt und nicht kitschig daher und nimmt genau den Raum ein, den es braucht. Bradley Coopers Performance ist große Klasse. Jennifer Lawrence steht dem in nichts nach. Und das Einzige, was noch schärfer ist als sie selbst, sind die Dialoge.
Eine besondere Freude ist auch Robert De Niro, der trotz der vielen Flops der letzten ca. 15 Jahre immer noch (und wohl auf ewig) mein Lieblingsschauspieler ist. Hier darf er in einigen Momenten wirklich mal wieder zeigen, was er kann. Super.
Eine rundum gelungene Tragikomödie.
Text: Gordon Cole
Wunderbar unkonventionell-skurriles Buddy-Roadmovie mit so einigen magischen Momenten und hervorragenden Dialogen, einer perfekten Chemie zwischen Paul Rudd und Emile Hirsch, sowie einem äußerst stimmigen, elegischen Soundtrack von "Explosions in the Sky".
Definitive Empfehlung!
Text: Le Samourai
Was für ein kleiner, feiner, unaufgeregter Film (engl. Titel: "Nobody's Daughter Haewon"), voll zarter Poesie, elementaren Lebensweisheiten und wunderbarem Humor. Hong Sang-soo's lange, statische Einstellungen lassen den tollen Darstellern viel Raum zur Entfaltung und Improvisation. Für solche Filme liebe ich die Berlinale, denn ich bezweifele stark, dass man diese klitzekleine südkoreanische Produktion in nächster Zeit noch mal zu Gesicht bekommen wird.
Text: Le Samourai
Ezra Miller = Schauspielgott.
Ansonsten wurde ich gerade vollkommen unerwartet umgehauen, aus emotionaler und auch aus handwerklicher Sicht. Mit Sicherheit einer der besten (wenn nicht DER beste) Coming-Of-Age-Film seit langer, langer Zeit, der vollkommen unprätentiös, authentisch und ehrlich Themen wie Anerkennung, Freundschaft, Liebe und Homosexualität behandelt. Erstaunlich und beachtlich, wie es Stephen Chbosky gelingt, eigentlich ausgelutschte Themen wie erste(r) Liebe/ Sex und Erwachsenwerden angenehm frisch und weitestgehend klischeefrei zu verpacken.
Absolute Überraschung.
Text: Le Samourai
Die besten "deutschen Filme" machen nach wie vor die Ösis. Man weiß eigentlich nie, ob man über die Absurdität lachen, über das Leben der Figuren traurig oder über das Gesamtbild verstört sein soll. Alles pass(ier)t zusammen und entwirft eine ganz eigene Realität. Nie gibt einem Seidl auch nur den kleinsten Hinweis und bleibt bedingungslos wertungsfrei. Er lässt das Leben die Arbeit machen, denn das ist schon lustig, traurig und absurd genug. Die Betonkamera liefert meisterliche Bildkompositionen des Grotesken, das man mit einer Mischung aus Mitleid und Fremdscham teilweise einfach durchstehen muss. Wenn einem der Sinn danach steht. Diese Konsequenz ist anstrengend und man muss sie nicht mögen, aber in ihrer Gesamtwirkung ist sie auch irgendwie genial.
Text: Gordon Cole
Dieser Emmanuel Schotté ist schon ein Phänomen: Seine erste und einzige Rolle verdankt er wohl nicht nur Bruno Dumont, der den arbeitslosen Soldaten einfach von der Strasse wegcastete, sondern vor allem seinem intensiven Spiel, diesen unglaublichen Blicken, dieser unendlichen Melancholie, die ihm in Cannes den Preis für den besten Hauptdarsteller einbrachte und die vermutlich nicht gespielt ist, sondern einfach echt. Traurige Randnotiz: Schotté kam mit dem Erfolg nicht zurecht und trat nie wieder vor die Kamera. Grund genug diesen Film zu sehen.
Text: Windom Earle
Sensationeller Film. So, genau so muss ein gutes Biopic aussehen. Mit viel Liebe zum Detail, authentisch, wertfrei und mit großem Respekt vor den Menschen, deren Leben dargestellt werden. Dabei vergisst Van Sant allerdings nicht, die Anforderungen, die so eine Major-Produktion stellt, zu erfüllen. Das Script ist konzentriert, die Inszenierung kraftvoll, die Spannung durchgehend hoch. Der Cast wurde perfekt zusammengestellt und glänzt durch die Bank, angeführt und gekrönt von einem sensationell spielenden Sean Penn in seiner wohl besten Rolle überhaupt.
Text: Le Samourai
Jim Jarmuschs elegische Ode an die Langsamkeit: Ein mäandernder Anti-Thriller, der mit so ziemlich jeder Genre-Konvention bricht oder diese ad absurdum führt. Ein meditatives Filmerlebnis mit - wenn man sich darauf einlässt - enormer Sogwirkung dank durchgehend umwerfend schöner Einstellungen und Bildkompositionen von Christopher Doyle und einem spärlichen, aber wunderbar passenden Soundtrack. Nebenbei ist LIMITS OF CONTROL auch Liebeserklärung an ein seltsam verlassenes und melancholisches Spanien.
Jarmuschs "schlechtester" Film? Vielleicht. Trotzdem ein ganz hervorragender.
Text: Le Samourai
Vorsichtiges Öffnen von Wasserflaschen und Rascheln des Feuilletons - genauso konsequent anachronistisch wie die Filme selbst ist auch die Publikumserfahrung.
"The Turin Horse" bildet einen wunderbaren Schlusspunkt zu Tarrs aussergewöhnlichem Oeuvre. Die meditative Beobachtung der conditio humana als zentraler Dreh- und Angelpunkt, inszeniert als triste Zeitschleifen wie Daueranschläge in Moll. So minimalistisch wie noch nie zuvor stellt er uns vor ein s/w Diorama des täglichen Lebens bar jeglicher Information die dem Zuschauer sonst so aufgesetzt einen Zugang zu den Figuren ermöglichen - in der Methodik schon beinahe bindend nahe an avantgardistischen Leistungen wie Chantal Akerman's "Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles".
Wie gewohnt komplementiert die eindrucksvolle Cinematographie den kargen Inhalt hin zur formellen Perfektion und oftmals wird einem die Genialität der Kompositionen erst nach Minuten von zeitlupenartigen Dollybewegungen und Zooms bewusst.
Tarr löst sein Kino von jeglichen Störfaktoren, streift alles überflüssige ab und verlässt sich vollkommen auf die puristisch-ursprüngliche Kraft seiner Inszenierung. Über dies spannt er stets eine inhärente Dramaturgie und verfällt nie auf die rein formularisch experimentelle Seite des Schaffens. Jenes Entgegenwirken sämtlicher Konditionierung des modernen Publikums macht ihn sicherlich zu einem gewissen Grad zum Filmemacher des Filmkritikers aber in seiner Perfektion gleichzeitig auch zu einem der 2-3 bedeutendsten und hoffentlich stilprägendsten Regisseuren der Gegenwart.
Text: FredFuchs
Was für ein verdammter Trip.
Tarantinos Filmuniversum ist frei von jeglichen Konventionen und existiert ohne abgesteckte Grenzen. Alles ist möglich und Tarantino macht alles möglich. "Django Unchained" ist ein 165minütiges, kurioserweise irgendwie trotzdem zu kurzes cineastisches Lehrstück und zeigt erneut, wer derzeit der unumstrittene Meister des Dialogkinos ist. "Django Unchained" ist Buddymovie, Roadmovie, Western, Exploitation, Trash, Komödie, Drama und Lovestory in einem. Von keiner Zutat zu viel, von keiner zu wenig. Niemand sonst verleiht dem Wort "Stilsicherheit" so viel Bedeutung wie Quentin Tarantino, und das seit mittlerweile 20 Jahren. Tollkühn remixed er auch diesmal altes, klassisches, abseitiges, zeigt uns seine Version eines seiner Lieblingsgenres und besitzt sogar die Frechheit, uns einen derart anachronistischen Soundtrack um die Ohren zu ballern, der seine Wirkung eigentlich nur verfehlen kann. Tut er aber nicht. Ein weiteres Mal ist das Zusammenspiel von Bild und Ton großartig, visionär und in dieser Form absolut einzigartig.
Warum der UNFASSBAR perfekt on point spielende Christoph Waltz nur in der Kategorie "Bester Nebendarsteller" nominiert ist, weiß wohl nur die Academy. Auch das restliche Ensemble leistet durch die Bank glanzvolles, Jamie Foxx steht die Heldenrolle ausgesprochen gut und die finsteren Leo diCaprio und Samuel L. Jackson funktionieren wunderbar als gegen den Strich besetzte Antagonisten.
Ein atemberaubendes Epos und zweifelsohne sein stärkstes Stück Filmgeschichte seit "Pulp Fiction", was einiges heißen will. Die 10 Punkte sind nur eine Frage der Zeit.
"Django. The D is silent."
Text: Le Samourai
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Die gegenwärtige, große Inszenierung moderner "B-Produktionen" liegt in der heutigen Filmlandschaft nahezu ausschließlich in Tarantinos Händen. Dieser Popkultur definierende Status verleitet dazu den Regisseur ausschließlich an sich selbst zu messen und innerhalb dieses gesteckten Mikrokosmos markiert "Django Unchained" eine äußerst wohltuende Rückkehr zur 90er Höchstform.
Der Modus Operandi bleibt dabei unverändert; ein Mosaik aus inhaltlichen und stilistischen Versatzstücken, vom spärlich referenzierten, namensgebenden Vorgänger über Addio Zio Tom, Mandingo, Keoma und deren gesamter Peripherie. Vorgetragen von der A-Liste Hollywoods, mit Sam Jackson als Onkel Tom am oberen sowie Quentin selbst am unteren Ende des durchgängig erstklassigen Leistungsspektrums (unterlegt von einem wunderbar anachronistischen Soundtrack, der Ortolani und Rick Ross vereint).
Nie geht es um das reine Zitieren, sondern um die gekonnte Vermengung einer, in ihrer Gesamtheit unüberblickbaren Vielzahl von Einflüssen. Stets enger an Corbucci als an Leone und Peckinpah wird tiefergehende Reflektion zugunsten des fantastischen Gesamtbildes der stilsicheren, zeitgemäßen Exploitation geopfert.
Text: FredFuchs
Also DAS kam ja mal unerwartet.
FISH TANK behandelt ein schwieriges Thema, mit dem man eigentlich nur scheitern kann. Regisseurin Andrea Arnold macht allerdings so gut wie alles richtig. Ihre Milieustudie einer Prekariatsfamilie aus Essex ist vollkommen unprätentiös, authentisch, roh und maximal wirkungsvoll. Die im 4:3-Format aufgenommen, durchweg perfekt stimmigen Bilder lassen den Zuschauer unmittelbar teilhaben am abgefuckten Geschehen, beschönigen nichts, zeigen, was Sache ist.
Michael Fassbender ist standesgemäß überragend, aber Herz und Seele des Filmes ist eindeutig die von der Straße gecastete, damals 18jährige Katie Jarvis. Ohne dieses zu einhundert Prozent authentische Mädchen wäre der komplette Film gescheitert und unglaubhaft geworden. Ihre Performance fesselt von der ersten bis zur allerletzten Sekunde und zählt für mich zu den eindrucksvollsten der letzten Jahre.
"Life's a bitch and then you die."
Text: Le Samourai
Der große Francois Truffaut feiert mit "La nuit américaine" nicht nur seine grenzenlose Liebe zum Kino, sondern auch zum Leben und der Liebe selbst. Mal melancholisch, mal chaotisch, aber immer charmant und mit viel Liebe zum Detail atmet Truffauts "8 1/2" unmissverständlich durch und durch Nouvelle Vague Luft. Ein virtuoses, hinreißendes Filmvergnügen, welches uns an die Magie des Kinos, aber auch den zumeist zermürbenden Entstehungsprozess erinnert. Wunderbar!
Text: Le Samourai
Intensiv, anstrengend, mit herausragenden 65mm-Bildkompositionen, aber nicht frei von kleinen Längen.
Joaquin Phoenix zeigt die beste Leistung seiner Karriere und Philip Seymour Hoffmans beängstigend gute Performance macht ihn für mich persönlich endgültig zu DEM faszinierendsten und vielseitigsten Schauspieler unserer Zeit.
Ein beeindruckendes Werk, welches mich dennoch nicht zu einhundert Prozent erreicht hat, sodass THERE WILL BE BLOOD nach wie vor P.T.A.'s Opus Magnum bleibt.
Text: Le Samourai
Jan-Ole, you are the Man! Endlich mal ein dffb-Absolvent, der nicht der Berliner Schule verfallen ist, sondern losgelöst davon einen herrlich befreiten, authentischen, rohen, melancholischen, unaufgeregten, lakonischen, stellenweise äußerst witzigen und einfach wunderschönen deutschen Film gedreht hat. Genau nach meinem Geschmack.
Der schönste Berlin-Film seit Wenders' Filmpoesie "Der Himmel über Berlin" und für mich persönlich der beste deutsche Film seit... Dekaden. Und der Soundtrack ist Oberspitzenklasse.
Text: Le Samourai
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"Oh Boy" erfindet das Rad nicht neu: Lakonische Schwarz-Weiß-Bilder, Jazz, die Atmosphäre rauchiger Bars und ein ziellos umherstreunender, von der Umwelt gebeutelter Loner. Natürlich kommt einem die Nouvelle Vague in den Sinn und natürlich wird mancher das zum Anlass nehmen, den Film als uninspiriertes Plagiat abzukanzeln. Aber das wäre genauso unsinnig wie falsch. Auch Truffaut, Godard und Co haben dieses ganz bestimmte Lebensgefühl nicht erfunden. Sie haben es erkannt, gespürt, gelebt und auf einzigartige Weise verarbeitet.
Das tut auch Jan Ole Gerster, und auch wenn er an die großen Vorbilder nicht heranreicht, nicht heranreichen kann, macht er seine Sache verdammt gut. Gott sei Dank ist "Oh Boy" von so schlichter Schönheit! Gott sei Dank versucht er nicht, allzu verkrampft ein neues deutsches Arthouse-Kino zu etablieren, wie es im Rahmen der - ich zitiere aus dem Film - "Berliner Sonderschule" so oft scheitert. Der Film besinnt sich auf seine Stärken, ist authentisch, witzig und lässt uns offen genug am Innenleben seiner Figuren teilhaben. Dann funktionieren eben auch vereinzelte Momente à la "Protagonist sitzt nachdenklich mit Kippe am Fenster": Als stimmungsvolle Zutat einer lebensnahen Geschichte, nicht als 90-minütiger Stillstand, der keinen Menschen wirklich erreicht und nur durch seine verkopfte Auseinandersetzung zum Pseudo-Arthouse mutiert.
"Oh Boy" besticht durch eine tolle Kamera, die Berlin-spezifische Bilder einfängt, die gleichzeitig nicht zu abgedroschen sind und auch aus fast jeder anderen Großstadt stammen könnten. Die Leistungen der Darsteller sind großenteils richtig stark, allen voran natürlich Tom Schilling. Da verzeiht man auch die Tatsache, dass so manche Nebenfigur nicht die ganz große Tiefe besitzt - sie sind Personen in Nikos Leben, die er streift, zu denen er mal mehr und mal weniger intensive Beziehungen pflegt, die er wieder verlässt und weiterzieht. Ohne Berlin-Klischees kann der Film natürlich nicht auskommen. Aber sind sündhaft teurer Bio-Kaffee, pöbelnde Atzen, deutsche Nazifilm-Produktionen zum Fremdschämen und Kunst-Performances auf den Bühnen abbruchreifer Häuser wirklich Klischees? Wenn, dann zumindest nicht im negativen Sinn. Sie sind nunmal Berlin, und zwar jeden Tag aufs Neue.
"Oh Boy" ist einfach ein stimmiger Film, der treffend einen Zeitgeist einfängt, welcher sich eben nicht nur mit dem Schlagwort "Berlin 2012" definieren lässt. Das Lebensgefühl, das er vermittelt, ist zeitlos und universell, im Leben wie im Kino. Dazu bedarf es keines konkreten Ziels des Helden, keiner Happy Ends und keiner Karthasis. Es bedarf "nur" der präzisen Beobachtung des Lebens vieler unterschiedlicher Menschen in künstlerisch ansprechender Form. Das ist ja dann auch Arthouse. Einfaches, gutes Arthouse.
Text: Gordon Cole
Wie ich solche Filme liebe! "Advise & Consent" ist ein weiterer Beweis für Otto Premingers herausragendes Talent, Dialogkino brillant zu inszenieren. In prächtigem Schwarzweiß seziert er messerscharf Machtspiele und Handlungsmechanismen in einem zwar fiktiven, aber unmissverständlich auf die 60er-Jahre zugeschnittenen US-Senat. Der Handlungsaufbau ist vorbildlich, der als fesselndes Kammerspiel beginnende Politthriller entwickelt sich immer mehr zu einem ausgewachsenen Polit-Drama. Die Dialoge sind durchgehend absolut brillant und hervorragend vorgetragen von u.a. Henry Fonda, Don Murray und allen voran dem göttlichen Charles Laughton in seiner leider allerletzten Rolle. Hinzu kommt ein gewohnt äußerst stimmiges Title-Design von der Legende Saul Bass sowie ein exklusiv für den Film aufgenommener Song von Mr. Frank Sinatra.
"Advise & Consent" ist einer der besten und vor allem zeitlosesten Politthriller die ich kenne und es bleibt mir nur zu wünschen, dass er mehr Aufmerksamkeit bekommt als ihm aktuell zu Teil wird.
Text: Le Samourai
Wahnsinn. Das sind wirklich mal zwei Stunden Leinwandmagie pur. Wunderhübsch gefilmt mit wirklich tollen 3D-Momenten, herzzerreißend gespielt, emotional und klischeefrei erzählt. Und dazu die wohl am eindrucksvollsten animierten Tiere aller Zeiten. Richard Parker ist schier unglaublich. Ein Polygontiger mit viel Herz und noch mehr Seele. Der "Twist" am Ende sorgt für den wahren Höhepunkt in meinen Augen.
Ich bin wirklich ein wenig sprachlos, denn einen derart guten Film hatte ich bei aller Vorfreude nicht erwartet. Ang Lees bester Film? Vielleicht. Ang Lees beeindruckendster Film? Mit Sicherheit.
Text: Le Samourai
Zwei Protagonisten, wie sie auf den ersten Blick unterschiedlicher nicht sein könnten: Ein junger weißer Geschichtslehrer (Ryan Gosling) und ein schwarzes Mädchen (Shareeka Epps) aus zerrütteten Familienverhältnissen. Beide verbindet jedoch das selbe Problem. Sie sind beide Einzelgänger und haben ihren Platz in der Gesellschaft noch nicht wirklich gefunden. Er kompensiert dies mit einer täglichen Dosis Crack, sie mit ihrer Liebe zum Basketball. Als sie ihn eines Tages auf der Schultoilette beim Crackrauchen erwischt, ist dies der Beginn einer gleichsam eigenartigen wie (überlebens-)wichtigen Freundschaft.
HALF NELSON ist ein erstaunliches Werk voller Subtilität, Stille und Intensität. Brillant inszeniert und von beiden Protagonisten überragend gespielt, zeichnet der Film ein rohes Bild eines Melting Pot Bezirks in Brooklyn. Dazu tragen neben stimmig ausgewählten Schauplätzen die hervorragende Handkameraarbeit von Andrij Parekh sowie der ruhige, überaus schöne Soundrack von Broken Social Scene bei.
Ein kleines, rohes Filmjuwel; unbedingt sehenswert.
Text: Le Samourai
Gosling und Williams sind GROßARTIG. Das Script erfrischend klischeefrei. Das Ergebnis authentisch. Man merkt in jedem Frame, dass dies ein äußerst persönlicher Film geworden ist. 12 Jahre Vorbereitung, davon stolze sechs Jahre mit den Darstellern, zahlen sich aus. Mit Sicherheit eines der besten Beziehungsmelodramen der letzten Jahre.
Text: Le Samourai
Wow. Nahezu perfektes Hollywood-Melodram von einem der wunderbarsten Regisseure des neuen Jahrtausends und gleichzeitig neben AMERICAN BEAUTY sein bestes Werk.
REVOLUTIONARY ROAD vereint zum zweiten Mal das mittlerweile zu richtigen Charakterdarstellern gereifte TITANIC-Pärchen di Caprio und Winslet und verdeutlicht auch schlagartig, welcher der beiden der bessere Film ist. An die Inszenierungskunst, die mise-en-scène (dank traumhafter Kameraarbeit von Roger Deakins), das Darstellen wahrhaftiger Emotionen und stiller Subtilitäten eines Mendes kommt Camerons Bombast-Kitsch nicht mal ansatzweise heran.
Die Leistungen von Kate Winslet und Leonardo di Caprio sind absolut überragend und erreichen eine selten gesehene Intensität und Glaubwürdigkeit. Michael Shannon ist ein weiteres Mal ein Hochgenuss, auch Kathy Bates weiß wie gewohnt zu überzeugen.
Kostüme, Ausstattung, 50s Flair - perfekt. Der kluge Score von Mendes' Stammkomponist Thomas Newman erinnert ein wenig an AMERICAN BEAUTY und fängt hervorragend die Ups & Downs dieser turbulenten, leidenschaftlichen, aber gleichzeitig auch bemitleidenswerten Ehe ein.
Eines der beeindruckendsten Melodramen der letzten Jahrzehnte und für mich der endgültige Beweis, dass Sam Mendes zu den wichtigsten Filmemachern unserer Zeit gezählt werden muss. Meisterwerk!
Text: Le Samourai
Bärenstarkes Horror-Familiendrama mit einer unglaublich guten Tilda Swinton in der vielleicht besten Rolle ihrer Karriere. In ebenso eindringlichen, ruhigen, wie gewaltigen Bildern seziert Regisseurin Lynne Ramsay die Mutter-Sohn-Beziehung von Eva (Swinton) und Kevin (Jasper Newell als Kind, Ezra Miller als Teenager - beide grandios spielend), die seit der Geburt von Unterkühltheit, Ablehnung, Ignoranz und Psychoterror geprägt ist. Virtuos montiert zeigt das Drama Schlüsselszenen aus Geburt, Kleinkindalter und Teenagerzeit und steuert unausweichlich auf die Katastrophe zu: Noch vor seinem 16. Geburtstag offenbart Kevin seinen soziopathischen Charakter in einem furchtbaren Amoklauf an seiner Schule. Parallel dazu werden die Folgen der Tat und Evas grausames Leben danach gezeigt: Eine Mutter, vor Schuldgefühlen, Trauer und täglichem Terror durch die Nachbarschaft nahezu unfähig zu leben.
Eine eindrucksvolle Independent-Produktion, die ihr schwieriges Thema hervorragend behandelt und noch lange nachwirkt.
Text: Le Samourai
